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Painting is silent poetry, and poetry is painting that speaks. Simonides

Alfredo Martinez Ponce

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Alfredo Martinez Ponce

Pintor figurativo, Artista hondureño

August 1965

... ''I have exhibited at the Museum of Latin American Art , American Home Spain. In the Biennial of Plastic Artists of C.A. and the Caribbean , the Central American Biennial in 2000. In Mexico , Dominican Repñublica , El Salvador , Guatemala , Panama , Costa Rica , Belgium , Holland, etc ... many collective good so far despite the fifteen -year career three singles , all in Honduras

- Why do you feel you are or artist?
- I'm an artist , because I was born with this torment.

- What emerges your creativity?
- Working

- 3 artists
- Francis Bacon
Goya
Robert Rauchemberg

- do you think about the art market ?
- Well as in any market, are the forces that determine their movement


- It brings art to the earth?
- Beauty

...''

quote

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Alfredo Martinez Ponce
























Armando Lara

Armando Lara





Nació en Honduras, C.A. El 21 de Octubre de 1959. Maestro de Artes Plásticas.
Escuela Nacional de Bellas Artes, Tegucigalpa, Honduras 1980.

PREMIOS

Medalla de Bronce
Exposición Anual de Bellas Artes, ‘’Le Salon 2003’’
Paris, Francia Octubre 2003 -‘’Movimientos de Forma N° 1’’

Primer Premio
‘’Premio Tlahcuilo’’I Bienal de Pintura del Istmo Centroamericano
Guatemala, Guatemala Agosto 1998-‘’Tan cerca y tan lejos’’

Medalla de Oro
II Bienal de Pintura del Caribe y Centroamérica
Santo Domingo, República Dominicana Noviembre 1994 -‘’Refugiados’’

Primer Premio
XIV Salón Nacional de Arte del Instituto del Cultura Interamericana
Tegucigalpa, Honduras 1994-‘’La Búsqueda Eterna’’

Primer Premio
Bienal de Arte de la Municipalidad de San Pedro Sula, Honduras
Diciembre 1993-‘’ Prisiones ‘’

Primer Premio
XIII Salón Nacional de Arte de Cultura Interamericana
Tegucigalpa, Honduras Julio 1992-‘’ Campos Verdes’’













ARMANDO LARA,



El desnudo en una estética de la contemporaneidad

En el pintura actual de Armando Lara, cuerpos desnudos trazan huellas de pensamientos milenarios en claridades entretejidas en el espacio. Ellos arden sin descanso suspendidos en la noche, mientras la vida como torrente se articula entre las formas que los sostienen en su propio misterio, existencial y artístico. No hay rostros, no hay distinciones que puedan explicar quienes son esas mujeres que muestran su maravilloso cuerpo desnudo ante los ojos del espectador. Una corriente venida desde los confines de la historia del arte devela el misterio del dibujo, la firmeza del trazo que va más allá de la simple observación tal vez de una modelo, o más bien de un recuerdo atesorado bajo el canto de un pájaro de la noche.

Ubicar la obra de Armando Lara podría considerarse la apertura hacia un estética basada sobre teorías inéditas y particulares, como sería la reflexión del espacio ingrávido y el dibujo musculosos y real que lo habita. La condición existencial del hombre contemporáneo la muestra descarnada este joven artista que ha asumido la pintura y una temática casi psicológica en términos de desafío. Un método de representación propio se percibe visualmente en la manera realista de hacer crecer los cuerpos desde los más profundo de la tela y suspenderlos en un espacio que pareciera ser el de la nada. Es el espacio de la pintura resuelto en su propia fenomenología; resuelto desde la propia estructuración plástica de la imaginación, mientras que en la realidad artística los valores tectónicos, las tensiones y articulaciones de los grupos de formas-cuerpos-desnudos, sobre la tela, denotan el equilibrio basado en la relación entre el universo natural y el otro, el espiritual del hombre.

Colores apaisajados, brumosos y translucidos, animan la potencialidad volumétrica de las formas reconocidas. El artista con la maestría de quien conoce el manejo del espacio en la conformación de su pintura, plantea libre, pero metódicamente, las inflexiones cóncavas y convexas de las formas suspendidas con las que construyen la superficie pictórica. Un paisaje casi esotérico y surrealista aloja los cuerpos extraordinarios en el dibujo y su perfecta configuración anatómica. Lara continúa la tradición renacentista de la forma anatómica moviéndose en el espacio infinito; pero, lógicamente, en su caso, el artista está en su propia contemporaneidad cuando ubica el tema en la agonía del inconciente colectivo. Figuras femeninas de mujeres con cabezas y rostro ocultos por brazos y manos crispadas, representan temáticamente la condición existencial del ser humano de hoy.

El juego plástico espacial entre lo concretamente figurativo y representacional de los cuerpos y objetos discernibles, tijeras, alicates, y el espacio abstracto donde están colocados, trata la dicotomía entre la masa informe y lo concreto, lo banal y lo sublime. Es precisamente una manera simbólica de tratar un tema de hoy, el de la realidad espiritual y humana del ser inmerso en su contemporaneidad. Las masas de cuerpos en movimiento se trasladan hacia no se sabe dónde; proyectan elipsis rotatorios de vida en movimiento pero sin destino, como en La gran marea o Medusa, mientras que en Eclipse o Interpuesto por ejemplo, tres figuras desnudas, suerte de tres gracias, se multiplican en la proyección de sus sombras y en transfiguración agónica nadan en sus propias Llamas.

Armando Lara se interesa por el interior de los cuerpos y su proyección simbólica. Por ello da forma y sustancia real a una parte de la pintura, precisamente a los cuerpos femeninos desnudos siempre en grupos, mientras que a otra, precisamente el paisaje abstracto donde los ubica, son visiones de pesadillas informes. La relación entre estos dos segmentos diferenciados se sitúa en los límites de la realidad y la imaginación. Los cuerpos voluptuosos se ofrecen en contrapartida a los espacios llenos o vacíos, relación entre lo negativo y lo positivo. No se trata de un tema figurativo en particular. Lara propone una provocación visual basada en el mundo real que lo rodea. La suya no es un pintura bella a pesar de la pureza arquitectónicamente humana de los cuerpos. El tema oculto trata del lado oscuro del alma que grita ser liberada, posiblemente, de la desintegración de su época.

Bélgica Rodríguez, Caracas, abril 2006
Alwin van der Linde









Alwin Van Der Linde is one of the most influential artists in contemporary Europe. His work creates a totally new language of expression and he is the developer of innovative forms of art education and creative research that prepare us to create the world of tomorrow.

"Creation is a manipulation of energy that has an impact on our surrounding world. Art has a direct influence on the way we live by shaping our environment and thus our future. Art in the future will acquire greater social importance as boundaries between scientific and creative disciplines will dissolve."

quote











Alwin van der Linde

Dutch born, 1957, The Hague

Currently living in Madrid and Montanchez( Extremadura), Spain


Conceptual Realism

Mi aim is to develop new perspectives within realism and to communicate my fascination with nature. The interpretation of reality and its perception are the result of a long tradition, and each epoch imposes the challenge for a new aesthetic and spiritual interpretation that leads humanity towards a new period of cultural expression.

I try to bring a and specific form of spiritual and aesthetic content into the so called realistic painting expression in order to show my personal investigation towards what can not be seen but only felt. It is my believe that creative intent or in other words, the spiritual or invisible part of an Art work are as important as the visible and technical part.

Reality is the territory where dreams are born, and dreams are a filled with symbols. Symbols help to express and create feelings, they connect the conscious with the subconscious. The emotion experienced by he observation of an Art work is induced through the use of symbols,cultural references, colour, composition, and the choice of the depicted theme. The theme of my paintings is the painting itself. All my paintings show the mystery in the perception of live, they are the expression of its complexity, and the constant search for a way of showing the structure of the invisible.

A work of Art beholds time, and from its silence, emotion takes our spirit into infinite directions. To paint a theme from the observation of reality is taking it out from the stream of time and make it still, until our feelings bring it to life again. My paintings do not determine anything, they are not telling any story other than the observation of our world with all its mysteries. Nor is my work "hyperrealistic". I have no interest whatsoever in painting "photographs". Every square inch of my paintings contains my aesthetic decisions and contributes to the final balance of the work. What distinguishes painting from photography or other expressions that involve technological procedures is the direct and physical tranmission from the spirit into the material. Creativity rearranges the chaos of perceived information into images that through their harmony and balance create a stillnes where the structure of the Universe can be felt.

Art, Philosophy or the freedom of thinking are synonimous in essence as are truth and beauty. Only Art is capable of transcending a personal exerience into a universal truth.

What I consider a well painted painting shows a perfect balance between light and dark, pure and unpure colour, peace and conflict. Opposite forces create a tension and transmit the original message of intent. To be creative is to dance around the center. The gesture carries the emotion.

Painting technique does not interest me at all. What interests me is the possibility of creating a window into lifes mystery and to materialize my feelings. My paintings are a link between mind and matter.

Besides painting I also create experimental electronic music, videos and digital photography. These are different forms of expression with their own creative challenges, they allow an experimentation that increase our aesthetic references and create a new way of perceiving our world.

Alwin van der Linde Madrid, 2009





Realismo conceptual

Mi meta es desarrollar nuevas perspectivas dentro de la figuración, y de comunicar mi fascinación con la observación de la naturaleza a traves de mi obra. La interpretación de la realidad y su percepción son el resultado de una larga tradición y cada época impone el reto de una nueva interpretación estética y espiritual que hace que el Arte refleje su época y lleve a la Humanidad hacia una nueva etapa de expresión cultural.

Intento dar al llamado realismo tradicional un contenido espiritual y una estética particular que refleje una investigación hacia lo invisible. Creo que la intención creadora, o digamos la parte espiritual e invisible son igual de importantes que la parte visible y técnica de una obra de arte.

La realidad es territorio de los sueños, y los sueños son territorio de símbolos. Los símbolos ayudan a expresar y entender ideas, ordenan y conectan el consciente con el subconsciente. El uso de símbolos, referencias culturales, color, composición y el tema elegido crean la emoción. El tema de un cuadro es el mismo cuadro. Todos mis cuadros hablan de lo mismo, el constante esfuerzo al acercarme al misterio de la vida, expresar su complejidad, buscar la forma más eficaz, la estética más adecuada para mostrar la estructura del invisible.

Una obra de arte retiene el tiempo y desde su silencio la emoción que nos produce lleva al espíritu a infinitas direcciones. Al pintar un tema desde la observación de la realidad sale del fluir del tiempo para ponerlo en el silencio donde nuestros pensamientos le darán vida de nuevo.

Mi pintura no determina. Mis cuadros no son narrativos de una historia en particular, sino observaciones del mundo que llevan en si todos sus misterios. Tampoco son hiperrealistas. No tengo ningún interés en pintar una foto. Cada centímetro cuadrado lleva mi decisión estética y contribuye al equilibrio final. Lo que distingue la pintura de la fotografía es la trasmisión directa de la idea hacia la materia sin intervención de procedimientos técnicos. La creación reordena el caos de la información perceptiva en imágenes que a través de su armonía y equilibrio hablan de la estructura del universo. El Arte y la Filosofía o la libertad de pensar, son sinónimos en esencia como lo son la Verdad y la Belleza. Solo el Arte es capaz de trascender una experiencia personal en una verdad universal.

Una pintura bien ejecutada refleje un equilibrio perfecto dentro de la estructura de la sombra y de la luz, color puro e impuro, paz y conflicto. Las fuerzas opuestas crean una tensión y trasmiten el mensaje de la intención inicial. Crear es bailar alrededor del centro. El gesto lleva la emoción.

La pintura como materia no me interesa nada. Me interesa la posibilidad de crear una ventana abierta al misterio. Me siento a veces como una impresora ejecutando con mis manos lo que me dicta mi espíritu. La pintura es esa comunión directa entre la mente y la materia.

También creo música electrónica, videos y fotografía digital. Son caminos distintos con sus propios retos. Permiten una experimentación audio y visual que influyen en la creación de una nueva estética o forma de percibir el mundo contemporáneo.

Awin van der Linde Madrid, 2009



Alexandra van Thiel



Reuver (L), 30-01-1957

# Voorgeschiedenis Academie voor Beeldende Kunst, Arnhem, begonnen op de afdeling vrij schilderen, daarna via modevormgeving naar de afdeling grafische vormgeving. De "grote academiedeceptie” wordt treffend beschreven in de lezing die Van Thiel gaf in november 2007.
# Drie maanden voor het eindexamen opgestapt wegens onoverbrugbare, al jaren slepende conflicten: indertijd was het onderwijsklimaat aan vele kunstacademies in Nederland van dien aard dat er weinig ruimte was voor een traditionele benadering van onder andere schilderen en illustreren.
# Van 1982 – 1995 werkzaam geweest als grafisch ontwerper en illustrator in de reclame, bij een grote uitgeverij en als freelancer voor kleine bedrijven.
# In die periode naast het ontwerpwerk geregeld portretopdrachten voor particulieren vervaardigd (kleurpotlood), veelvuldig vrij werk gemaakt (kleurpotlood en collage) en werkzaam geweest als medewerker bij diverse kunstcentra.
# In 1995 gestopt met grafische vormgeving in verband met komst kinderen (’95 - ’97 - ’99).



Schilderen
# In 2000 ontstaat – aan de keukentafel – het eerste schilderijtje in olieverf.
# In 2001/2003 volgt een decoratieopleiding: marmeren, houten enzovoorts, op hele grote formaten. Deze opleiding wordt na twee jaar met succes afgesloten.
# In dezelfde periode een aanvang met vele schilderexperimenten, zoals sterrenhemels, stillevens, portretten, themaschilderijen en abstract werk in kerkraamachtige vormen.
# In 2004 valt het besluit om het pad te versmallen tot stillevens en portretten; hierin is van Thiel volkomen autodidact.
# In 2007 debuteert van Thiel als fijnschilder bij Galerie Lieve Hemel.

Werkwijze
“Bij de stillevens ben ik steeds kleiner, precieze en realistischer gaan schilderijen. Mijn onderwerpen beeld ik steevast één op één uit, wat bij de diverse eindprodukten af en toe fikse formaatverschillen oplevert. Technisch streef ik naar het trompe l’oeil, ‘het oog bedrogen’. Ik probeer te komen tot een schijnbare doorkijk, een venster naar een ander stukje werkelijkheid.”

Thematiek
“Ik werk tegelijkertijd aan diverse series, zoals de Briefserie, de Dode-Dierenserie, de Michiokserie, genoemd naar hoogleraar theoretische natuurkunde Michio Kaku en de serie Portretstillevens, die deels in opdracht worden vervaardigd. Hoewel de schilderijen stuk voor stuk op eigen benen staan, kent elke serie als geheel ook een eigen ontwikkeling en een eigen voortgang.
Met mijn schilderijen probeer ik op een stille manier een haakje te slaan in het bewustzijn van de kijker. Waar is dit? Wie heeft het er neergezet? Waarom? Wat heeft het te betekenen? Het stilleven als vermoeden van een moment uit een wèrkelijk, voortgaand leven. Ongeveer zoals de stills van een film de wens oproepen de hele film te willen zien.”









Adriana van Zoest





Geboren - Born March 15 1966



Training - Education
1982 Life drawing with SKIM in Meppel
1983-1986 Daca private academy in Uffelte
1986 Accompanied by Jan Nagtegaal and Cornelis Le Mair
1988-1992
Painting at Restorations Kunsthandel Koch
in Hague
1993 Masterclass in the Money Point , The Hague
1994-1997 Masterclass by Cornelis Le Mair
2001
Ten days painting of Henk observed in the Rembrandt House

1994
Master class at the White Villa to Callantsoog
1997
Master class on Ruudt Wackers Academy in Amsterdam
1997
Lecture " Techniques " given the Ruudt Wackers Academy in Amsterdam
1998 Model Drawing Lessons given Heiloo









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